expresionista abstracto

óptimo local.

ORGIA DE CORGI

Colección de dibujos de mapas antiguos

Los 10 artistas abstractos más famosos

El expresionismo abstracto es uno de los movimientos artísticos más peculiares entre las diferentes escuelas de pensamiento y expresión artística de la época moderna. El movimiento comenzó a surgir del cambio social, coincidiendo con las últimas semanas y meses de la Segunda Guerra Mundial.
Esta vez, personas de todo el mundo están dando la bienvenida a una nueva sensación de paz después de años del evento global más mortífero y destructivo jamás registrado.
Los artistas que surgieron durante este período fueron influenciados en gran medida por los acontecimientos mundiales que ocurrieron unos pocos años antes.
Las obras de arte que surgieron de este período único tenían un sentido único de asombro y belleza que era completamente original, lo que condujo a la fundación del movimiento que ahora conocemos y llamamos expresionismo abstracto.
En este artículo, veremos a algunos de los más grandes pintores y artistas del movimiento expresionista abstracto y señalaremos los diversos elementos que los hicieron tan memorables a ellos y a su trabajo.

1850

1839-1906

Paul Cézanne (Paul Cézanne, 19 de enero de 1839 - 22 de octubre de 1906), pintor postimpresionista francés[1].
Su trabajo e ideas influyeron en muchos artistas y movimientos artísticos del siglo XX, en particular el cubismo. Durante la mayor parte de su vida, su arte no fue comprendido ni aceptado por el público. A través de su persistencia, por fin se desafiaron todos los valores pictóricos convencionales del siglo XIX. El mayor logro de Cézanne es su análisis incisivo sin precedentes del color y la luz y la sombra, subvirtiendo la perspectiva visual anterior, la estructura del espacio se elimina de la impresión de colores mezclados, y el arte puro aparece oficialmente en el campo de la pintura. la pintura puede hacer eso. Por ello, se le conoce como el "Padre del Arte Moderno". Él cree que la forma y el color son inseparables. Pinte en el plano con trazos geométricos, formando gradualmente la superficie de la pintura. Abogó por no usar líneas, luces y sombras para expresar objetos, sino usar contraste de color. Utiliza grumos de color para expresar la tridimensionalidad y la profundidad de los objetos, utiliza el cambio de color para dar forma y utiliza elementos geométricos para construir imágenes[1].
A finales del siglo XIX, Paul Cézanne fue elogiado como el "portaestandarte del arte nuevo". Como pionero del arte moderno, los pintores occidentales modernos lo llamaron "el padre de la pintura moderna" [2] .

1866-1944

Vasily Vasilyevich Kandinsky (16 de diciembre de 1866 - 13 de diciembre de 1944), pintor y teórico del arte nacido en Rusia.
El 4 de diciembre de 1866 en el calendario juliano, Kandinsky nació en Moscú, Rusia, y pasó su infancia en Odessa. Después de ingresar a la Universidad de Moscú, estudió derecho y economía. Estudió pintura (boceto, dibujo y anatomía) en Munich en 1896, regresó a Moscú en 1918 después de la Revolución Rusa. Debido a que el arte de vanguardia era contrario al arte realista oficial, se fue a Alemania en 1921 y comenzó a enseñar en la Bauhaus en 1922. Se convirtió en ciudadano alemán en 1928 hasta que el gobierno nazi alemán cerró la Bauhaus en 1933. Después de eso, se instaló en Francia y se convirtió en ciudadano francés en 1939. Francia fue ocupada por la Alemania nazi en 1940. Kandinsky no eligió establecerse en los Estados Unidos y murió en Neuilly-sur-Seine en 1944.
Junto con Piet Mondrian y Malevich, entre otros, Kandinsky es considerado un pionero del arte abstracto. También cofundó el colectivo artístico de corta duración pero influyente The Blue Riders. Un cuadro de Kandinsky vendido por casi quince millones de dólares. El Museo Solomon R. Guggenheim es uno de los mayores coleccionistas de obras de Kandinsky.
Kandinsky tenía sinestesia (percepciones mixtas) y podía escuchar los colores muy claramente. Este efecto tuvo una gran influencia en su arte. Incluso tituló sus cuadros "Improvisación" y "Estructura", como si no fueran cuadros sino composiciones musicales.

La vida juvenil de Kandinsky en Moscú le dio muchas inspiraciones artísticas. De niño, tenía una sensibilidad inusual para el color y una memoria extraordinaria. Esto puede deberse a su sinestesia que le permite escuchar los colores tan claramente como los ve. Mantuvo este fuerte interés por el color durante los años que vivió en Moscú, aunque en ese momento no mostró inclinación por profundizar en el arte. En 1889, Kandinsky participó en un grupo de estudio del folclore que viajó a la región de Vologda, al norte de Moscú. Estudió el uso engañoso de colores brillantes sobre fondos oscuros en el arte popular local, que dejó su huella en su trabajo anterior. Unos años más tarde Kandinsky escribió que "el color es la clave, el ojo es la armonía, el alma es el piano con muchas cuerdas".
En 1896, Kandinsky tenía solo 30 años y renunció a un prometedor puesto docente enseñando derecho y economía para asistir a la Academia de Artes de Munich. Justo antes de salir de Moscú este año, vio la exposición de pinturas de Monet, especialmente escuchó la explicación de "Pajar".
En la Academia de las Artes Kandinsky se encontraba en condiciones muy favorables, era viejo y maduro, no solo como novato en pintura, sino también como un verdadero teórico del arte. Aunque se estima que las obras de este período son bastante numerosas, pocas sobreviven. Después de principios del siglo XX, la situación cambió. Han sobrevivido muchas pinturas de paisajes naturales y pinturas de ciudades, que usan colores gruesos y tienen imágenes reconocibles. La gran mayoría de las pinturas de Kandinsky no enfatizan las figuras, una excepción es "Domingo en la vieja Rusia" (1904), que muestra a campesinos y nobles de pie frente a la muralla de una ciudad, una pintura recreada en colores extremadamente ricos. estar lleno de fantasía, eso es, por supuesto.
"Pareja a caballo" (1907) representa a una pareja joven a caballo, el hombre abrazando tierna y cuidadosamente a la mujer, mientras pasan por un castillo ruso y están a punto de cruzar un río. El caballo caminaba en silencio, y la brillante noche del castillo en la distancia hizo que el río y las hojas trajeran puntos reflectantes de colores.
El jinete azul (1903) es quizás la obra más importante de Kandinsky de la primera década de 1900. En la pintura, un caballero con una capa azul y montado en un caballo blanco corre a través de un pasto de montaña. Las sombras proyectadas por el caballero y el caballo sobre la hierba son de color azul oscuro. Hay muchas sombras azules dispersas en el frente de la pintura, que pueden ser sombras de árboles que no fueron pintados. El Jinete Azul ocupa un lugar destacado en la pintura, pero no hay una conclusión definitiva, y el caballo tiene un modo de andar poco natural (presumiblemente, Kandinsky lo sabía). De hecho, algunas personas piensan que el caballero lleva un niño, y también pueden pensar que el caballero tiene otra sombra. Kandinsky pintó al caballero como un conjunto de combinaciones de colores sin prestar atención a los detalles. "El jinete azul" no es particularmente notable en comparación con las obras de los pintores modernos, pero muestra la dirección en la que iba Kandinsky dentro de unos años.
De 1906 a 1908, Kandinsky pasó mucho tiempo viajando por Europa y terminó en un pequeño pueblo a las afueras de Múnich. "La montaña azul" (1908-1909) es una obra de este período que muestra su tendencia hacia la abstracción pura. Una montaña azul está rodeada por dos grandes árboles a izquierda y derecha, uno amarillo y otro rojo. Una procesión de tres caballeros y otros caminantes recorre el borde inferior del cuadro. Los rostros, la ropa y las sillas de montar de los caballeros están pintados de un solo color, y los jinetes y caminantes no están representados en detalle. El uso del color en la pintura "Montaña azul" muestra que Kandinsky ha entrado en un reino artístico que es independiente de la forma y solo expresa el color en sí mismo.
Además de la pintura, Kandinsky también ganó el derecho a hablar como teórico del arte. Ayudó a fundar el Neue Artists Guild en Munich y se convirtió en presidente en 1909. Debido a que este grupo no pudo integrar la contradicción entre las técnicas artísticas radicalmente innovadoras de Kandinsky y los conceptos artísticos tradicionales, anunció su disolución en 1911. Kandinsky luego se dispuso a crear un nuevo colectivo artístico, The Blue Rider, reuniendo a artistas con ambiciones similares, como Franz Marc. El grupo publica un anuario, también titulado "The Blue Rider", y ha realizado dos exposiciones de arte. Originalmente, se planeó que los anuarios y las exposiciones de arte se realizaran varias veces, pero se cancelaron debido al estallido de la Primera Guerra Mundial en 1914. Kandinsky regresó a Rusia vía Suiza y Suecia.
El artículo de Kandinsky publicado en el "Anuario Blue Rider" y la tesis "Sobre el espíritu del arte" escritas en el mismo año se publicaron casi al mismo tiempo, lo que es a la vez una defensa y una promoción del arte abstracto. También argumenta que todas las formas de arte son igualmente capaces de alcanzar ciertas alturas espirituales. Él cree que en la pintura, el color puede ser considerado como algo independiente, libre de objetos o cualquier otra forma de descripción visual y convertirse en un todo. Además, también tiene un trabajo sobre teoría del arte llamado "Punto, Línea, Superficie".
Vea las famosas obras de Picasso "Guernica" y "Reading" de 1932.

1880-1854

André Derain (17 de junio de 1880-8 de septiembre de 1954), nacido en Chatonne, Francia y fallecido en Garches, fue un pintor francés de principios del siglo XX. Derain fue uno de los pioneros de la revolución artística de principios del siglo XX y junto con Henri Matisse fundó el fauvismo. Compartió estudio con Vlaminck y conoció a Matisse a la edad de 19 años. En 1905, viajó y pintó con Matisse en el sur de Francia. Fue profundamente influenciado por Matisse y fue un pionero del fauvismo. DeLong fue el primero en descubrir el arte negro y reconoció la riqueza del arte popular y la riqueza de la imaginación; también descubrió los misterios del arte primitivo, la pintura pompeyana, el arte gótico medieval y el arte de los primeros maestros del Renacimiento. Estudió los secretos de la creación artística de los antiguos, volvió a pisar el camino que ellos anduvieron y usó la tradición para crear arte moderno. La naturaleza es la fuente de su inspiración creativa, y las obras maestras de los maestros del pasado en el museo son sus modelos. [4]

De Lang (1880-1954) usó bloques de colores segmentados, curvas rápidas y colores contundentes en sus primeros trabajos. Las técnicas no eran toscas, las líneas debajo de su pluma eran bastante elegantes y los colores eran armoniosos. Sus colores principales son el verde, el azul y todos los morados desde el rojo rosa hasta el morado oscuro. En sus pinturas, no hay pinceladas que colisionen, sino proporciones exquisitas, relaciones de color y líneas y bloques de color sin mezclar, que son decisivos e inequívocos. En su creación aboga por el orden, la sencillez y el orden. Se han acumulado demasiados recuerdos en sus pensamientos y creaciones artísticas, y se han reunido demasiados pensamientos. La evaluación de Apollinaire sobre él en 1916 fue: "De Lang estudió fanáticamente las obras de los maestros y copió sus pinturas, demostrando que quería entenderlos mucho. Al mismo tiempo, con una valentía sin igual, superó el arte contemporáneo. Todos los acciones más atrevidas, para recuperar los principios del arte de manera concisa y fresca, y descubrir sus leyes". El mundo tiene diferentes evaluaciones de él, y algunas personas dicen que es "el más grande pintor francés vivo".

1881-1973

Pablo Picasso (español: Pablo Picasso, 25 de octubre de 1881 ~ 8 de abril de 1973), nombre completo Pablo Diego José Francisco di Paula Juan Napomucino María de los Remedios Cipriano di la Santo Cima Trinidad Luis Picasso Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuceno María de los Remedios Cipriano de la Santísima Trinidad Ruiz Picasso), pintor, escultor español, miembro del Partido Comunista Francés. Es el fundador del arte moderno y el principal representante de la pintura modernista occidental. Picasso es el artista más creativo y de mayor alcance del Occidente contemporáneo, y uno de los mayores genios artísticos del siglo XX. Obras representativas: "Guernica", "Paloma de la paz", "Niña de Avignon" y "Vida".
Picasso nació en Málaga, España en 1881. En 1897, Picasso se trasladó al Museo de Arte del Prado de Madrid para ampliar sus estudios. En 1900, Picasso se fue a vivir y trabajar a París. En 1903, se completó la pintura "Vida". En 1907, la realización del cuadro "La niña de Avignon" se convirtió en un hito en su creación del estilo cubista. En 1937, Picasso creó un gran cuadro "Guernica" para conmemorar el bombardeo de Guernica por los nazis. En 1949, su obra "Paloma de la paz" fue seleccionada como cartel de la Conferencia Internacional de la Paz. Picasso murió en Mougins, Francia en 1973 a la edad de 91 años. [27]
Picasso fue un pintor prolífico, según las estadísticas, su obra totalizó cerca de 37.000 piezas, entre ellas: 1.885 óleos, 7.089 bocetos, 20.000 grabados y 6.121 litografías. En una encuesta realizada por un periódico francés en diciembre de 1999, fue elegido como uno de los diez mejores pintores del siglo XX con el 40% de los votos.

1874-1948

Franklin Booth (8 de julio de 1874 - 25 de agosto de 1948) fue un pintor estadounidense, conocido por sus ilustraciones a pluma y tinta, usó pluma y tinta para crear ilustraciones de grabado en madera, con un estilo de ilustración único. Fue un popular ilustrador de revistas a principios del siglo XX y uno de los primeros diseñadores ex libris modernos en los Estados Unidos[1].
Booth usó acuarelas para crear ilustraciones de libros como Flying Islands in the Night Sky de James Whitcomb Riley. Durante la Primera Guerra Mundial, hizo carteles para reclutamiento, recaudación de fondos y más. Su trabajo se hizo conocido ya que las ilustraciones Art Deco se hicieron más populares. Booth cofundó la Academia de las Artes de Phoenix y enseñó durante 21 años.
Booth fue elegido miembro del Salón de la Fama de la Sociedad de Ilustradores (el Salón de la Fama de la Sociedad de Ilustradores)
Booth creció en una granja cerca de Carmel, Indiana[2]. Sus padres Susan Wright (Susan Wright) y John Thomas Booth (John Thomas Booth) tuvieron ocho hijos, Booth ocupó el tercer lugar [1] .

1890-1964

El origen del sistema de color Morandi, el color Morandi que no compite ni agarra, no es pesado, y no es encantador, es extremadamente de alta gama con solo escuchar el nombre ~ y su nombre está relacionado con un pintor llamado Giorgio Morandi. .
Giorgio Morandi (1890-1964), nacido en Bolonia, Italia, es un famoso grabador y pintor al óleo italiano. Cuando era joven, ingresó en la Academia de Bellas Artes de Bolonia, donde trabajó como profesor de arte durante mucho tiempo, impartiendo cursos de grabado. Morandi no solo admiraba las obras de los primeros maestros del Renacimiento, sino que también resonó fuertemente con la audaz exploración de varios géneros desde entonces.
Gottfried Boehm escribe en su ensayo "La concepción artística de Giorgio Morandi": Morandi tomó prestada esta heterogeneidad durante su período "metafísico", fascinado por la imaginación de Cézanne, el rechazo a la composición y la creación. El texto anterior de Gottfried Boehm es muy importante para comprender las pinturas de Morandi.

Giorgio Morandi (1890-1964, Giorgio Morandi), nacido en Bolonia, Italia, es un famoso grabador y pintor al óleo italiano. Morandi recibió una buena educación artística. En 1907, ingresó en la Academia de Bellas Artes de Bolonia para estudiar pintura y enseñó grabado en la academia desde 1930 hasta 1956. [1]

Morandi es el mayor de sus hermanos y ha experimentado la muerte de su hermano menor Joseph y su hermana menor Anna desde que era joven. Estaba lleno de pasión por el arte cuando era un adolescente, y en 1907 persuadió a sus padres para que estudiaran pintura en la Academia de Bellas Artes de Bolonia. Dos años más tarde, debido a la lamentable muerte de sus padres, él, el hijo mayor, tuvo que llevar la carga de la familia. En los últimos dos años de la academia, formó gradualmente su propio estilo artístico único. Aunque apenas salió de Bolonia a lo largo de su vida, su estilo se inspiró en las obras de André Derain, Cézanne y Picasso. Enseñó grabado en la academia de 1930 a 1956. Tiene su propio concepto artístico único en el arte, pero no ha formado un texto. No hay recuerdos vivos gloriosos en la vida. Nunca se casó con una esposa en su vida, y se puede decir que no tiene amor, lo único que ha dedicado su vida a su amado arte. Es un monje pintor y un monje asceta. El arte es su pariente, su esposa y amante. Vivió una vida solitaria, casi nunca salió de su ciudad natal de Bolonia, vivió una vida sencilla, indiferente a la fama y la riqueza, y solo hizo algunos viajes a Italia. La única vez que fui al extranjero fue para visitar la exposición de pintura de Cézanne en Zúrich. En el ajetreo y el bullicio del arte del siglo XX, cuando otros artistas iban a París, él creó tranquilamente su propia imagen artística con sabiduría y sentimiento en su estudio de Bolonia. Destaca por su carácter muy personal, interpretando la belleza sencilla de las cosas con una pincelada magistral y colores sutiles. Morandi elige utensilios de vida extremadamente limitados y simples, utilizando tazas, platos, botellas, cajas, jarras y escenas de la vida cotidiana como objetos de su creación. Coloque la botella en el boceto extremadamente simple para crear la atmósfera más armoniosa de una manera simple y concisa. Ve lo extraño en lo ordinario, ve lo grande en lo pequeño. Al capturar la esencia de esas cosas simples y esos paisajes familiares, hago que mis obras rebosen de una especie de elegancia sencilla, frescura, belleza y sinceridad que hace que las personas se sientan cercanas. Entre el cubismo y el impresionismo, encontró su propio estilo de pintura único a través del ingenioso compromiso de forma y color.

1900

La mayoría de estos pintores en Nueva York, EE. UU., son líneas y toques de color. El de Franz Klein es muy chino, en realidad tomando prestado de la caligrafía japonesa. El sistema de color de Barrett Newman es exagerado y puro. Diría que el pintor que busco es Jackson Pollock, pero sus colores son muy oscuros.

1912-1956

Jackson Pollock es considerado uno de los artistas más individualistas de la era moderna, ya que su trabajo está imbuido de creatividad y parece abrazar los cambios modernos que se desarrollaron poco después de la Primera Guerra Mundial.
Era conocido por su estilo de pintura excéntrico, que era bastante diferente de los métodos y métodos utilizados por los artistas antes que él.
Pollack es mejor conocido por su nueva técnica de pintura, conocida como "pintura de acción", y muchos otros términos transmitidos por los críticos de arte de la época, que a menudo estaban fascinados por su trabajo o por comprender el extraño pero aparente físico de Pollock. Hay problemas importantes. con forma pictórica.
Nacido en Cody, Wyoming, Estados Unidos, murió en East Hampton, Nueva York, pintor estadounidense y principal exponente del expresionismo abstracto, un movimiento artístico caracterizado por gestos asociativos libres en pinturas a veces denominadas "Pintura de acción", el "movimiento artístico". Durante su vida, fue ampliamente publicitado y sinceramente reconocido por la agresiva técnica de vertido o "goteo" que usó en la creación de sus principales obras. Entre sus contemporáneos, fue conocido por su aprecio por el compromiso profundamente personal y absolutamente intransigente. al arte. Su trabajo y ejemplo tuvieron una gran influencia en ellos y en muchos movimientos artísticos posteriores en los Estados Unidos. También fue uno de los primeros pintores estadounidenses reconocidos, reconocido durante su vida y después Reconocido como un par del siglo <> europeo maestros del arte moderno.
Su método se describe mejor como verter, abofetear e incluso salpicar pintura sobre un lienzo grande desde muchos ángulos diferentes. Muchos
críticos de arte han notado que el alcoholismo de Pollock fue Su vida personal ha tenido graves repercusiones y se ha ido de las manos y influyó fuertemente en sus pinturas.
La mayoría de sus obras son claramente Jackson Pollock pasando por algún tipo de angustia mental a medida que se vuelven más oscuras y extrañas. Tanto los críticos como los fanáticos nunca sabrán cuál era
realmente el estado mental de Pollock, ya que murió repentinamente en un accidente automovilístico en el edad de 44

Jackson Pollock (28 de enero de 1912 - 11 de agosto de 1956) fue un pintor estadounidense influyente y una fuerza importante en el movimiento expresionista abstracto. Es famoso por su creación única de pintura por goteo.
Durante su vida gozó de una considerable fama y notoriedad: se le consideraba un pintor mayoritariamente solitario, de temperamento volátil y con un grave problema con el alcohol.
Nacido en Cody, Wyoming, se mudó a Nueva York en 1929 para estudiar con Thomas Hart Benton en la Art Students League de Nueva York; trabajó para el Federal Art Project de 1938 a 1942; comenzó a volcarse al arte abstracto. En las décadas de 1950 y 1960, fue apoyado por la CIA a través del Congreso por la Libertad Cultural.
En 1947, se utilizó el "método de pintura por goteo", se canceló el caballete, se extendió el enorme lienzo plano sobre el suelo y se goteó y salpicó la pintura sobre el lienzo con una caja perforada con pequeños agujeros, un palo o un pincel. , y la pintura fina se roció con la ayuda de un rociador; el toque del lienzo no se fija en una posición, sino que se mueve alrededor del lienzo, o a través del pasado, de modo que la composición no tiene centro y la estructura no se puede reconocer ; los movimientos inconscientes repetidos se dibujan en una red complicada y difícil de distinguir, y las líneas están desordenadas; las líneas en la pantalla son verticales y horizontales distorsionadas, cambian de color. La influencia de la escuela surrealista se puede ver en su enfoque de la indulgencia extrema subconsciente.
Antes de que desarrollara sus habilidades únicas, porque estaba demasiado centrado en la creación pero no logró un gran avance, sus obras no se vendían bien, junto con su personalidad excéntrica y neurótica, no podía ganarse la vida con trabajos de medio tiempo, y tuvo que depender de su hermano y más tarde su esposa Girlfriend Lee Krasner lo ayuda.
Pollock murió en un accidente de tráfico la noche del 11 de agosto de 1956 por conducir ebrio y exceso de velocidad. Después de su muerte, el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA) le dedicó una retrospectiva conmemorativa en 1956 y una gran exposición más completa en 1967. En 1998 y 1999, el MoMA y la Tate Britain, respectivamente, realizaron importantes exposiciones retrospectivas en su honor. [1][2]

Pollock nació en Cody, Wyoming en 1912[3], el menor de cinco hermanos. Sus padres, Stella May y Leroy Pollock, crecieron en Tingley, Iowa. El nombre original de su padre era McCoy, pero sus padres fallecieron al cabo de un año y fue adoptado por un vecino, por lo que cambió su apellido. Stella y Leroy son presbiterianos, su madre es de ascendencia irlandesa y su padre es de ascendencia escocesa. [4] Leroy fue originalmente agricultor y luego trabajó como agrimensor en el gobierno[3]. Jackson Pollock creció en Arizona y Chico, California. Mientras vivía en Echo Park, California, asistió a la High School of Handicraft Arts en Los Ángeles. En el proceso de medirse con su padre en su juventud, fue influenciado por la cultura indígena americana. El tema rural estadounidense de Benton solo tuvo una influencia efímera en Pollock, pero su pintura rítmica y su fuerte independencia tuvieron una influencia más duradera en Pollock.
Para abstenerse del alcohol, Pollock se sometió a psicoterapia junguiana con el Dr. Joseph Henderson de 1938 a 1941 y con la Dra. Violet Staub de Laszlo de 1941 a 1942. La decisión del Dr. Henderson de contratarlo y dejar que Pollock hiciera la pintura resultó en la aparición de muchos conceptos junguianos en su trabajo durante este período. Recientemente se ha sugerido que Pollock pudo haber sufrido un trastorno bipolar.
En octubre de 1945, Pollock se casó con el pintor estadounidense Lee Krasner, y en noviembre se mudó a lo que ahora se conoce como el estudio Pollock-Krasner en el área de Springs de East Hampton, Long Island, Nueva York. Peggy Guggenheim les prestó un pago inicial para la casa con estructura de madera, y había un granero cerca, que Pollock convirtió en su estudio. Aquí perfeccionó su técnica de trabajo con la pintura que lo ha caracterizado en la historia de la pintura.
Pollock se encontró con la pintura líquida por primera vez en 1936 en el estudio experimental del muralista mexicano David Alfaro Siqueiros, después de lo cual adoptó el método de salpicar pintura sobre lienzo como técnica pictórica a principios de la década de 1940. Los ejemplos incluyen Hombre y mujer y Composición con vertido I. Después de mudarse a Springs, comenzó a extender lienzos en el piso del estudio, desarrollando la técnica de pintura que se conoció como "pintura por goteo". En este momento, utilizó una pintura de resina sintética conocida como esmalte alquídico, que era nueva en ese momento. Pollock se refirió al uso de pinturas domésticas en lugar de las que usan los artistas como "el crecimiento natural de la demanda". [5] Empleó pinceles rígidos, palos e incluso jeringas de aceite como herramientas para pintar. La técnica de Pollock de salpicar y gotear pintura se considera uno de los orígenes de la "pintura de acción". De esta manera, Pollock permitió que la pintura goteara gradualmente desde la herramienta de su elección sobre el lienzo, lo que le permitió lograr un medio creativo más directo. Al abandonar la tradición de pintar sobre superficies verticales, podía ver y pintar sobre el lienzo desde cualquier dirección. Una posible influencia en Pollock fue la pintora ucraniano-estadounidense Janet Sobel (1894-1968), cuyo trabajo está asociado con las llamadas "pinturas de goteo" de Pollock. [6] Peggy Guggenheim incluyó el trabajo de Sobel en "The Art of This Century Gallery" en 1945. El crítico de Pollock, Clement Greenberg, vio el trabajo de Sobel en 1946 y afirmó en su ensayo "Pintura de tipo estadounidense" que eran las primeras que había visto la pintura completa, y afirmó que "Pollock admitió que le causaron una profunda impresión". [7] En el proceso de pintar de esta manera, Pollock abandonó gradualmente la representación de imágenes y desafió la tradición occidental de usar caballetes y pinceles. Comenzó a pintar no solo con las manos y las muñecas, sino también con todo el cuerpo. En la década de 1940, Pollock observó actuaciones de pintura de arena de la India. Las influencias en su técnica de pintura por goteo también incluyeron muralistas mexicanos y pintores surrealistas. Pollock negó que sus obras se produjeran por casualidad y, por lo general, tenía una idea específica sobre la producción de una obra. Su técnica combina una serie de factores controlables e incontrolables como el movimiento corporal controlado, el flujo viscoso de la pintura, la gravedad y la absorción de la pintura por el lienzo, como el baile, hasta que produce la obra que desea.
Las pinturas más famosas de Pollock se crearon durante el período de "Pintura por goteo" de 1947 a 1950. Su artículo de cuatro páginas en la edición del 8 de agosto de 1949 de la revista Life lo catapultó a la cima. En el apogeo de su fama, Pollock abandonó repentinamente el estilo de pintura por goteo. [8] El trabajo de Pollock después de 1951 fue más intensamente coloreado, incluyendo una serie de pintura negra sobre lienzo. Después de eso, reanudó el uso del color,[9] y retomó el elemento de la imagen nuevamente. Durante este período, Pollock se asoció con una galería más comercial para proporcionar obras a los coleccionistas que necesitaban obras nuevas. Bajo la influencia de este estrés y contratiempos personales, su alcoholismo empeoró.
Pollock no quería que la audiencia viera ningún elemento figurativo de sus obras, por lo que abandonó la denominación de las obras y utilizó números en su lugar. Al respecto, Pollock dijo: "Acepte pasivamente las imágenes proporcionadas por esta pintura, en lugar de preconcebirse con impresiones subjetivas para encontrar el tema". La esposa de Pollock, Krasner, dijo que Pollock "solía llevar a cabo investigaciones tradicionales sobre sus pinturas. Nombró, y ahora simplemente numerarlos. La numeración es neutral, hacen que las personas traten el trabajo como una pintura pura ". [10] En 1955, Pollock creó lo que deberían ser sus
dos últimos trabajos "Smell" (Scent) y Search. En 1956 no pintaba nada. A las 10:15 pm del 11 de agosto de 1956, Pollock murió en un accidente por conducir ebrio, poniendo fin a su lucha adulta contra el alcoholismo. Después de la muerte de Pollock, su viuda, Krasner, administró su patrimonio y se aseguró de que el prestigio de Pollock se mantuviera alto independientemente de las tendencias artísticas cambiantes. Están enterrados juntos en el cementerio de Green River en el área de Hot Springs.

1908-1984

La carrera artística de Lee Krasner Art abarcó más de 60 años. Muchas de sus pinturas todavía se exhiben hoy, principalmente en el Museo Metropolitano de Arte y el Museo de Arte Moderno (MoMA) en Nueva York. Sin embargo, su nombre es mucho menos famoso que el de su esposo, Jackson Pollock (Jackson Pollock), ya sabes, Pollock es uno de los artistas más famosos del siglo XX.
Durante el apogeo del expresionismo abstracto, Lee Krasner era una artista ambiciosa e importante en la ciudad de Nueva York, cuya propia carrera a menudo estuvo marcada por su papel como la esposa solidaria de Jackson Pollock. importante pintor estadounidense de la posguerra y un mundo del arte dominado por hombres. Krasner estuvo íntimamente involucrado en la síntesis de la forma abstracta y el contenido psicológico que anunció el expresionismo abstracto. Su deseo de revisar su estética, o lo que ella llamó "descanso", la llevó a su innovadora serie de pequeñas imágenes a fines de la década de 1940, audaces collages en la década de 1950 y, más tarde, grandes lienzos en colores brillantes en la década de 1960. Krasner fue "redescubierta" por historiadoras del arte feministas en la década de 1970 y vivió para ver un mayor reconocimiento de su arte y carrera que continúa hasta el día de hoy.

Una de las razones por las que se ve eclipsada por la brillantez de su marido es que los estilos de pintura de ella y su marido son muy similares. Ambos eran pintores y pintaban casi en el mismo estilo: expresionismo abstracto. A pesar de los modestos logros de Krasner, Pollock fue una figura icónica en todo el movimiento expresionista abstracto estadounidense, creando posiblemente la pintura expresionista abstracta más famosa de la historia, "No. 5" (2006 En 1999, fue el precio más alto por una pintura en el mundo en ese momento en US$140 millones).
"Soy la esposa de Jackson Pollock. La gente dice que soy todo... pero también soy mujer, judía, viuda, pintora y, además, soy bastante independiente". Krasner,
Rusia Descendiente de inmigrantes judíos, nació en Brooklyn, Nueva York en 1908. Estudió en una escuela de arte para niñas y decidió dedicarse al arte en sus primeros años. Después de graduarse de la escuela secundaria, completó sus estudios en Cooper Union y la Academia Nacional de Diseño. Esta experiencia le permitió acumular una amplia visión artística y profundas técnicas de pintura tradicional, y ya ha logrado grandes logros en la representación precisa de la anatomía humana. En 1935 fue contratada por el Programa Federal de Artes de la Administración de Progreso del Arte, tiempo durante el cual cambió su nombre de Lenore a Lee, que era unisex. En 1940 expuso su obra por primera vez en la Cuarta Exposición Anual del Grupo de Artistas Abstractos.
En 1929, la apertura del Museo de Arte Moderno de Nueva York realmente trajo el arte moderno europeo a los Estados Unidos, lo que tuvo un profundo impacto en los artistas de Nueva York, incluido Krasner. A lo largo de la década de 1930, Krasner realizó investigaciones compositivas, técnicas y teóricas sobre el arte moderno. Durante este tiempo, Krasner comenzó a estudiar con el pionero del expresionismo abstracto, Hans Hoffman. De este último, aprendió a usar el pincel para enfatizar la bidimensionalidad de la imagen, mientras usaba el color para construir un sentido abstracto del espacio. El estilo artístico de la siguiente vida brotó de esto.
En 1929, la apertura del Museo de Arte Moderno de Nueva York realmente trajo el arte moderno europeo a los Estados Unidos, lo que tuvo un profundo impacto en los artistas de Nueva York, incluido Krasner. A lo largo de la década de 1930, Krasner realizó investigaciones compositivas, técnicas y teóricas sobre el arte moderno. Durante este tiempo, Krasner comenzó a estudiar con el pionero del expresionismo abstracto, Hans Hoffman. De este último, aprendió a usar el pincel para enfatizar la bidimensionalidad de la imagen, mientras usaba el color para construir un sentido abstracto del espacio. El estilo artístico de la siguiente vida brotó de esto.
Como pintor, Krasner desapareció en matrimonio tras matrimonio. Es una pintora muy individual, pero desempeñó el papel de ama de casa, se encargó de las tareas domésticas y se convirtió en una buena ayudante de su esposo. La gente la llamaría Sra. Pollock cuando la conociera, no Krasner como antes.
Pero la existencia de Krasner es mucho más que eso. Su personalidad y búsqueda artística están en lo más profundo de su corazón. Es una pintora que está lista para explotar en cualquier momento. Tiene una clara comprensión y afirmación de sí misma. Una pintora, Krasner se consideraba una pintora, tan buena pintora como cualquier otra. pintor masculino.
Si bien ha realizado sucesivamente exposiciones de arte y realizado giras exitosas por todo el mundo, las diferencias de época y las limitaciones de la historia no le han permitido a Krasner ganar mayor prestigio y valoración. Debido a la existencia de su esposo Pollock, Krasner siempre fue comparada con Bilock, naturalmente. "Time Magazine" en 1972 escribió: "Krasner salió de las sombras", "mostró su propio color", "ser una artista en sí misma", etc. Pero Krasner fue realmente reconocida de nuevo por el mundo después de su muerte en 1984. En ese momento, las historiadoras del arte feministas cuestionaron la historia del arte nuevamente. El entorno general de la época abrió una nueva perspectiva para examinar la historia del arte. Krasner Fue entonces cuando el nombre de Sina realmente comenzó a flotar.
Krasner nunca se ha contentado con ser solo una seguidora de Pollock. Ella ha estado observando en su corazón y buscando su propio camino. Su fuerte personalidad se refleja en la identificación de su propia identidad. Ella ha estado tratando de demostrarlo con sus propias obras. existencia.

Después de la muerte de Pollock, Krasner continuó innovando en estilo y su arte alcanzó otro pico icónico en la década de 1960. Durante este período, creó varias obras a gran escala, y su método de pintura ya no se acumulaba cuidadosamente, sino que usaba la fuerza de todo su cuerpo para lanzar un pincel rápido y ancho, lo que muestra que el estilo de "pintura de acción" se ha vuelto más y más maduro. Gea lleva el nombre de la Madre Tierra en la mitología griega. El color de la imagen es similar a las flores y la tierra, y la forma dinámica muestra la fascinación del artista por temas como el origen de la naturaleza y el comienzo del caos en el universo. Las pinceladas en blanco y negro de "Criaturas nocturnas" forman una espiral más tensa, lo que hace que uno se pregunte si hay ojos y extremidades irreconocibles ocultos bajo el pincel del artista.

A diferencia del estilo relativamente estable de la mayoría de los artistas expresionistas abstractos, incluido Pollock, el estilo creativo de Krasner ha sufrido varios cambios importantes en su vida, y cada vez es el resultado de refinar varios estilos. A menudo desarma y recicla sus obras antiguas para convertirlas en obras nuevas, por lo que lo que el público ve es solo una esquina de sus intentos artísticos. Pero se puede ver que el arte abstracto de Krasner siempre tiene repetición de patrones. Al mismo tiempo, sus formas abstractas siempre se refinan a partir de la realidad y, junto con sus tempranas habilidades de pintura de figuras, sus obras tienen un fuerte ritmo y un impacto emocional, que es único en la rama del expresionismo abstracto llamada "pintura de acción". .
En 1985, Lee Krasner estableció, inició y financió la Fundación Pollock y Lee Krasner para apoyar a los artistas visuales. En la década de 1970, más de diez años después de la muerte de Pollock, Lee Krasner, que vivió bajo la brillantez de Pollock, parecía haberse convertido de la noche a la mañana en la niña mimada de los críticos de arte estadounidenses, y el mundo del arte finalmente se centró en ella, no como la esposa de Pollock, sino como uno de los mejores pintores de América. Con el estudio de las obras de Lee Krasner, la maestra de la pintura finalmente ha revelado su estilo único, que ha sido cada vez más reconocido por el mundo del arte.

Lee Krasner fue el sexto de siete hijos de inmigrantes judíos rusos que emigraron de Besarabia el 27 de diciembre de 1908 en 1940. Criada en una comunidad judía inmigrante en Brooklyn, Nueva York, Krasner originalmente se llamaba Lena Krasner, pero cambió su nombre varias veces al principio de su vida, y finalmente se decidió por Lee Krasner a fines de la década de <>. Los historiadores del arte se han preguntado si Krasner usó la abreviatura "Lee" para disfrazar su género.

A los 13, Krasner ya había puesto la mira en convertirse en artista profesional, una elección de carrera inusual para inmigrantes y mujeres. Aplicó con entusiasmo y estaba encantada de ser aceptada en Washington Irving High School, la única escuela secundaria pública de la ciudad de Nueva York en ese momento que permitía a las mujeres estudiar artes.

Como adulto, Krasner permaneció en la ciudad de Nueva York, que se estaba convirtiendo en un centro de arte internacional, primero en la Cooper League for the Advancement of Arts and Sciences en 1926, y luego en la Art Students League. Fue estudiante en la prestigiosa Academia Nacional de Diseño de 1926 a 1928, y sus maestros conservadores a menudo la reprendían por una personalidad inicialmente independiente que consideraban inadecuada para una mujer. Krasner produjo un cuerpo de trabajo impresionante durante este período, que va desde autorretratos realistas hasta experimentos surrealistas.
Krasner tuvo que trabajar en fábricas, como camarera y como modelo para artistas, mientras estudiaba por la noche para obtener su certificado de enseñanza, la carrera profesional aprobada para mujeres artistas en ese momento. En 1933, tuvo la suerte de conseguir un empleo de artista a tiempo completo a través de la Administración de Progreso de Obras del Programa Federal de Artes (WPA/FAP), un programa de artes visuales en el New Deal de Franklin D. Roosevelt (1933-43). Muchos artistas se sustentaron económicamente gracias a los programas del New Deal, que también les brindaron camaradería. Los programas New Deal brindaron un apoyo financiero esencial a las mujeres artistas, muchas de las cuales tuvieron sus primeras oportunidades profesionales bajo sus auspicios. Krasner ascendió rápidamente a puestos de supervisión y también se desempeñó como asistente en grandes murales públicos; Pollock, a su vez, se desempeñó como asistente en otros murales de la WPA.
Insatisfecha con el enfoque conservador del arte que había aprendido anteriormente en la Academia Nacional, Krasner cayó en los círculos artísticos más bohemios de la década de 1930 y, como muchos de sus compañeros artísticos, se sintió atraída por el marxismo. Su elección de estudiar con el renombrado artista y teórico Hans Hofmann resultó ser importante ya que expuso a la joven artista al pintor y escultor cubista Pablo Picasso, así como al modernismo Las obras y teorías de Henri Matisse. Bajo la tutela de Hoffman, Krasner comenzó a trabajar en un estilo "total", cubriendo las superficies de sus pinturas con diseños abstractos y repetitivos de motivos florales. Hoffman una vez elogió su trabajo como excelente, "No sabrías que fue hecho por una mujer artista".
Lee Krasner (c. 1938)
Krasner se convirtió en miembro fundador de Abstract Artists of America, una organización formada en la ciudad de Nueva York en 1936 para promover y ayudar al público a apreciar el arte abstracto. Fue entonces cuando conoció a Pollock, con quien convivió en 1941. Los dos se casaron en 1945 y le correspondió a ella promover y administrar los aspectos prácticos de la carrera de Pollock. Si bien Krasner aceptó amablemente sus nuevas responsabilidades, significó que su propia carrera quedó en segundo plano frente a la cada vez más famosa Pollock.
Krasner nunca dejó de escribir durante su matrimonio de 11 años con Pollock. A lo largo de su tiempo juntos, Krasner ha luchado con su aparente alcoholismo y feminismo. Cuando la pareja se mudó de Manhattan a Springs, Long Island a fines de la década de 1940, Krasner comenzó su innovadora serie Small Images (1946-50), un grupo que consiste en pinturas a pequeña escala y obras repetidas definidas por un diseño lineal, generalmente pintura blanca. Junto con Newman, Krasner compartía el interés por el misticismo judío, o Cábala, que se refleja en estos pequeños lienzos. Su educación y herencia judía tradicional moldearon el proceso y el aspecto de la serie, e intuitivamente dibuja de derecha a izquierda, o en la dirección del alfabeto hebreo, y creó símbolos de Cabalá para conectarse directamente con su subconsciente. Si bien muchos modernistas buscaron inspiración artística en otras culturas (como grupos tribales y no occidentales), Krasner en realidad estaba regresando a sus propios orígenes culturales.
Krasner tuvo una admiración de por vida por el trabajo de Matisse y, a principios de la década de 1950, comenzó a experimentar con el collage, una técnica que Matisse usó más adelante en su carrera. Después de un día particularmente frustrante en el estudio, Krasner rompió impetuosamente sus pinturas terminadas, que luego volvió a ensamblar en edificios que recuerdan al cubismo. La exposición de estas obras de Krasner en 1955 fue bien recibida, lo que llevó al destacado y exigente crítico Clement Greenberg a declararla una de las exposiciones más importantes de la década.
Al año siguiente, Krasner comenzó una serie de expresionismo abstracto a gran escala llamada Earth Greens (1956-59) después de que su esposo muriera en un accidente automovilístico fatal. Los críticos respondieron negativamente a estas obras, que combinaban formas inspiradas en la naturaleza con técnicas de salpicaduras rítmicas, ya que las consideraban derivadas de Pollock y demasiado decorativas (demasiado femeninas, una palabra clave). En 1962, Krasner sufrió un aneurisma y su producción artística se vio interrumpida durante varios años debido a problemas de salud. En el período siguiente, Krasner continuó manipulando sus formas naturales de varias maneras, combinándolas con grandes áreas de color sólido en el lienzo (una elección inspirada en la pintura Color Field y el Minimalismo). A fines de la década de 1960 y 1970, su trabajo experimentó un renacimiento debido al movimiento de mujeres.
Las técnicas experimentales de Krasner y el uso innovador del color y la proporción fueron finalmente reconocidos en su primera exposición retrospectiva en el Museo de Bellas Artes de Houston, Texas, en noviembre de 1983. A pesar de su delicada salud, Krasner pudo asistir a la exposición antes de viajar a San Francisco, California, Phoenix, Arizona y Norfolk, Virginia. Trágicamente, Krasner murió de una hemorragia interna por diverticulitis en febrero <> en <>, y nunca pudo ver su retrospectiva hacer su última parada en el prestigioso Museo de Arte Moderno de Nueva York.

1910-1062

Franz Kline se menciona junto con figuras notables como Jackson Pollock, Willem de Kooning y otros en el movimiento expresionista abstracto.
Fue un pintor estadounidense conocido por crear obras que exploraban el amplio rango de expresión artística y la simplicidad que pueden implicar las obras de arte modernas.
Muchos historiadores del arte han señalado que se sabía que los críticos de su época eran particularmente duros con su enfoque inusualmente distintivo de la pintura, y señalaron que parecían rudimentarios en algunos aspectos porque carecían de bordes y estructura definidos.
Sin embargo, muchos encontraron en sus pinturas un gran avance en la variedad de formas en que un artista podía representar ciertas figuras a través de una serie de pinceladas grandes y amplias.
Su trabajo a menudo se ha descrito como particularmente vívido y "dinámico" en comparación con otros pintores del movimiento expresionista abstracto.
El expresionista abstracto estadounidense Franz Kline es conocido por sus grandes pinturas en blanco y negro con patrones abstractos austeros y confiados. Originalmente realista, dominaba un estilo que perfeccionó durante una formación académica que lo animó a apreciar a los viejos maestros como Rembrandt. Pero después de establecerse en Nueva York y conocer a Willem de Kooning, comenzó a desarrollar su enfoque característico de la abstracción. Al final de su vida, había logrado un enorme reconocimiento internacional y su enfoque inusual de la abstracción gestual comenzó a influir en el pensamiento de muchos minimalistas.

Franz Kline nació y se crió en Wilkes-Barre, Pensilvania, una pequeña comunidad minera de carbón con pocas oportunidades de desarrollo artístico. Su infancia estuvo marcada por las complicadas relaciones con sus padres. Su padre, dueño de una taberna, se suicidó en 1917, cuando Crane tenía solo siete años. Más tarde, su madre se volvió a casar y envió a su hijo a una institución para niños huérfanos, que el artista llama un "orfanato".
Decidido a hacer su propio camino, Crane trabajó como caricaturista para el periódico de la escuela secundaria y logró escapar de su pequeño pueblo para asistir a la Escuela de Arte de la Universidad de Boston entre 1931 y 1935. Boston le ofreció una gran cantidad de oportunidades: sus mentores no solo lo ayudaron a familiarizarse con el arte moderno, sino que también aprendió mucho de las colecciones públicas y privadas de la ciudad. Después de salir, estudió brevemente en la Art Students League de Nueva York. Luego viajó a Inglaterra, donde ingresó en el Heatherley College of Art de Londres. Allí conoció a su futura esposa, Elizabeth V. Parsons, una ex bailarina de ballet que trabajaba como modelo de artista en la escuela. Regresó a Nueva York con Crane en 1938, pero luego sufrió una crisis nerviosa y pasó un tiempo en una institución mental.
Los primeros años en Nueva York fueron difíciles para Klein. Se vio obligado a realizar trabajos ocasionales: pintaba murales en bares y vendía ilustraciones a revistas. En este punto, su trabajo estuvo influenciado por su amor por los viejos maestros como Rembrandt, pero en 1943 conoció a Willem de Kooning y comenzó a frecuentar el Cedar Bar, donde conoció a Jackson Pollock y Philip Guston. Hacia 1947, bajo la influencia de De Kooning, también comienza a abandonar la figuración y experimenta a gran escala con técnicas de abstracción gestual. Ya había comenzado a explorar una austera paleta de blanco y negro en una serie de bocetos en tinta sobre papel, pero ahora lleva esta técnica al lienzo, utilizando pinceles de pintura casera para crear amplios lienzos de negro entrecruzado con blanco. Se inspiró en parte en las pinturas en blanco y negro de De Kooning de 1946-49, y aunque la historia es apócrifa, se dice que De Kooning también lo inspiró a expandir la escala de su trabajo después de alentarlo a examinarlo con una mirada lupa. "Una pintura negra de cuatro por cinco pulgadas de una mecedora", recordó Klein, "... asomaba enormes pinceladas negras que borraban cualquier imagen, las pinceladas mismas se expandían como entidades que no tenían nada que ver con ninguna entidad más que con su propia existencia. Las fotografías surgieron de esta revelación y se exhibieron por primera vez en la Galería Charles Egan en Nueva York en 1950, una exposición que estableció la reputación de Kline. Los críticos han debatido durante mucho tiempo si las pinturas en blanco y negro de Kline se inspiraron en la caligrafía japonesa. Esta
sugerencia apareció por primera vez en una reseña de su innovadora exposición en 1950. Sin embargo, el artista lo negó, alegando que se inspiró en fuentes inconscientes. Cuando se le pidió que explicara el significado de su trabajo, se negó, diciendo que deseaba que el espectador pudiera sentir el efecto de la composición sin verse obstaculizado por la sugerencia. En cambio, enfatizó el carácter no simbólico de la obra y lo que llamó la "experiencia pictórica". En esto fue honrado por Clement Greenberg Greenberg, quien se centró en la importancia de forma abstracta en el arte, dejando de lado las discusiones sobre la fuente o el contenido. Klein también colaboró ​​​​con Mark Rothko y Barnett Newman) y otros contemporáneos, cuyo arte expresaba el impulso de trascender. Y, aunque su enfoque gestual parecía acercarlo a De Kooning, Klein estaba menos interesado en la expresión salvaje que en los gestos aislados. Interesado en sí mismo.
En 1955, Klein estaba experimentando nuevamente con el color, utilizando planos pintados en diferentes tonos para evocar una sensación de espacio más compleja. Su estilo también se volvió más suelto y, a principios de la década de 1960, algunas de sus imágenes eran casi monocromáticas, en obras como The Red Painting (1961). En esta etapa, se aseguró la reputación de Klein como un destacado expresionista abstracto. Expuso continuamente en los Estados Unidos y en el extranjero, y fue seleccionado para exponer en la Bienal de Venecia en 1960, junto con Hans Hoffmann, Philip Guston y Theodor Rozak. En 1961, su trabajo también se incluyó en la exposición "American Pioneer" organizada por la Agencia de Información de los Estados Unidos y realizó una gira por países europeos. Desde entonces, las exhibiciones se han visto como un aspecto importante de los esfuerzos del gobierno de los EE. UU. para promocionarse como guardián de la libertad de expresión durante la Guerra Fría. El 13 de octubre de 1962 murió inesperadamente de un paro cardíaco a la edad de cincuenta y dos años.

1904-1980

Clyfford Still
Entre los artistas expresionistas abstractos más famosos, pocos son más famosos que Clyfford Still. Famoso por pintar escenas particularmente oscuras y algo deprimentes para la mayoría de los críticos de arte de la época.
Sin embargo, como muchos otros artistas de la época, estuvo profundamente influenciado por los horrores y horrores de la guerra, que solo parecían ser maximizados por la naturaleza particularmente destructiva de la Segunda Guerra Mundial, que involucró bombas más poderosas y los males asociados con las armas químicas. .
A medida que su carrera comenzó a despegar, el estilo de pintura de Steele comenzó a adquirir un aspecto más extraño y único, ya que el artista comenzó a utilizar acentos oscuros e irregulares y ángulos agudos en su trabajo.
La mayoría de sus obras se encuentran entre algunas pinturas verdaderamente únicas del estilo expresionista abstracto, debido a su yuxtaposición de colores y marcado contraste entre la luz y la oscuridad.
Sus pinturas han recibido títulos igualmente únicos, como sus obras más famosas, como 1957-D-No. 1.
La carrera de Steele se alejaría de los estilos de pintura más tradicionales de la época y establecería sus propios métodos y técnicas únicos, que se encuentran entre los más reconocibles de todo el movimiento.
Clyfford Still (1904-1980) tenía una visión artística única, no dispuesto a comprometerse por dinero o reconocimiento. A medida que se desarrollaba como artista, el trabajo de Steele pasó de imágenes y paisajes reconocibles a formas, colores y líneas más abstractos para expresar ideas y sentimientos a través de grandes lienzos. Quiere que la gente se pierda en su obra y haga su propia interpretación de su arte.
Steele fue uno de la primera generación de expresionistas abstractos que desarrolló un nuevo y poderoso método de pintura en los años posteriores a la Segunda Guerra Mundial.
Los contemporáneos de Steele incluyeron a Grace Hartigan, Willem de Kooning, Lee Krasner, Norman Lewis, Joan Mitchell, Robert Motherwell, Barnett Newman, Jackson Pollock y Mark Rothko. Aunque los estilos y métodos de estos artistas variaron ampliamente, el expresionismo abstracto se caracterizó por formas abstractas, pinceladas expresivas y escala monumental, todo lo cual se utilizó para transmitir ideas sobre la creación, la vida, la lucha y la muerte ("La condición humana"). ”) tema general.
Descrito por muchos como el más iconoclasta de los expresionistas abstractos, a Still se le atribuye haber sentado las bases del movimiento. La transición de Steele de la pintura figurativa a la abstracta ocurrió entre 1938 y 1942, antes que sus colegas, quienes continuaron pintando en el estilo figurativo surrealista hasta la década de 1940.
Nacido en Grandin, Dakota del Norte en 1904, pasó su infancia en Spokane, Washington y Bow Island en el sur de Alberta, Canadá. Aunque el expresionismo abstracto se considera un movimiento en Nueva York, Steele produjo su trabajo formativo en varios puestos docentes en la costa oeste, primero en el estado de Washington y luego en San Francisco.
También enseñó en Virginia State a principios de la década de 1940.
Todavía visitaba Nueva York para estadías prolongadas a fines de la década de 1940, y se asoció con las dos galerías que introdujeron este nuevo arte estadounidense en el mundo: Art of this Century y Betty Parsons Gallery. Vivió en Nueva York durante la mayor parte de la década de 1950, en el apogeo del movimiento expresionista abstracto.
Durante este período, se volvió cada vez más crítico con el mundo del arte. A principios de la década de 1950, Steele cortó los lazos con las galerías comerciales y se alejó aún más del establecimiento del arte al mudarse a Maryland en 1961.
En 1979, el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York organizó la encuesta más grande del arte de Still hasta la fecha y la exhibición más grande de la obra de un artista vivo de la institución. Después de su muerte, todas las obras que no eran de dominio público fueron bloqueadas de la vista pública y académica, cerrando el acceso a uno de los pintores estadounidenses más importantes del siglo XX.
Permaneció en Maryland con su segunda esposa, Patricia, hasta su muerte en 1980.

1905-1970

Barrett Newman es reconocido como una de las figuras más influyentes del movimiento expresionista abstracto y uno de los pintores más famosos de principios a mediados del siglo XX.
Es conocido por desarrollar composiciones con una variedad de tonos dominantes y tonos que parecen ser evidentes en cada parte de la pintura.
Esta característica ha llevado a críticos de arte e historiadores a enumerar a Newman como uno de los pocos artistas conocidos como uno de los pocos pintores de gama de colores respetados.
Sus composiciones son a menudo muy simples, con solo unos pocos colores diseñados para obligar al espectador a confrontar el color en sí mismo, una versión verdaderamente única del expresionismo abstracto que pocos otros artistas han explorado de manera similar.
Se le considera uno de los artistas preeminentes que se ha centrado en el contraste de colores durante su carrera, y muchas de sus obras se consideran obras maestras del estilo artístico Color Field.

Newman nació en la ciudad de Nueva York en el seno de una familia judía de Polonia. Estudió filosofía en la Universidad de la Ciudad de Nueva York y trabajó en la fábrica de ropa de su padre. También trabajó como docente, escritor y crítico de arte[1]. En la década de 1930 comenzó a pintar, se dice que su estilo en ese momento estaba influenciado principalmente por el expresionismo, pero estas pinturas han sido destruidas por él mismo. En 1934, Newman conoció a la profesora de arte Annalee Greenhouse y los dos se casaron el 30 de junio de 1936[2].
En 1940, Newman renunció a su trabajo docente como profesor de arte de secundaria y se dedicó a estudiar ciencias naturales. De 1940 a 1944, tomó cursos de posgrado en botánica y ornitología en la Universidad de Cornell y realizó investigaciones en campos relacionados en el Jardín Botánico de Brooklyn y el Museo Americano de Historia Natural.
En 1948, Newman tuvo su primera exposición individual en la Galería Betty Parsons. Antes de eso, escribió prólogos y reseñas para diferentes álbumes y organizó y comisarió muchas exposiciones. Después de la primera exposición, Newman dijo en una sesión de artistas en Studio 35: "Estamos en el proceso de transformar el mundo en nuestras propias imágenes hasta cierto punto". Con las ventajas de la escritura, Newman promocionó sus pinturas tanto como posible, familiarizando a la gente con la nueva forma de pintura que creó. Un ejemplo es su carta a Sidney Janis del 9 de abril de 1955: "Rothko mencionó al antagonista, y luchó, pero de hecho solo gradualmente se estaba sometiendo y aceptando el mundo del filisteo. Y trato a la burguesía. Su lucha es para negarlo por completo." [3]
En la década de 1940, siempre estuvo influenciado por el género surrealista antes de establecer su propio estilo. Posteriormente, Newman formó su propio estilo de pintura: grandes áreas de color en el lienzo estaban separadas por líneas finas, a las que también llamó "cremalleras". Cuando Newman creó por primera vez de esta manera, los bloques de color estaban moteados y cambiados, y luego gradualmente se convirtieron en colores planos y sólidos. Él mismo cree que la serie "Onement" creada en 1948 ha alcanzado un estilo personal maduro. "Zipper" define la estructura espacial en sus pinturas y también juega el papel de división y agregación en la composición.
Desde entonces, la cremallera se ha convertido en un estilo constante en las pinturas de Newman, especialmente en sus creaciones de la década de 1950. Por ejemplo, en la obra "Salvaje" (Wild), que mide 2,4 metros de largo pero solo 2 centímetros de ancho, la "cremallera" es el único contenido del cuadro. Newman también creó una serie de obras escultóricas, que se consideran "cremalleras" tridimensionales.
Las obras de Newman parecen ser pinturas abstractas puras, muchas de las cuales no tenían título al principio, y a menudo mencionaba algunos antecedentes culturales y religiosos judíos cuando las titulaba más tarde. Por ejemplo, dos pinturas de principios de la década de 1950, tituladas Adán y Eva, así como Uriel (1954), y una pintura más oscura llamada Abraham (1949) Pintura, que es el nombre de un patriarca en la cultura judía, también era el nombre de El padre de Newman, quien murió en 1947.
Después de recuperarse de un ataque al corazón, Newman comenzó una serie de pinturas monocromáticas en blanco y negro tituladas Las estaciones de la cruz (1958-66), que también se considera su cenit Obras representativas de la época. El subtítulo de la serie de pinturas es "¿Por qué me has desamparado?" (Lema sabachthani): según el Nuevo Testamento, estas son las últimas palabras que pronunció Jesús mientras estaba en la cruz. Newman percibió en estas palabras algo en común con su época. Esta serie de obras también se considera una conmemoración del Holocausto [4].
Los últimos trabajos de Newman, como la serie "Quién teme al rojo, amarillo y azul" (¿Quién teme al rojo, amarillo y azul), usaban muchos colores sólidos brillantes y vivos, y la escala del trabajo era enorme; "Anna's Light (Anna's Light), 1968) conmemora a su madre fallecida en 1965 y es su obra más grande (8,5 x 2,7 metros). También creó pinturas de formas especiales, como el Chartres triangular (1969).
La mayoría de las obras posteriores utilizan más pintura acrílica que pintura al óleo. Newman también volvió a la escultura durante este período, sobre todo Broken Obelisk (1963), un obelisco invertido cuya parte superior se equilibra relativamente en la parte superior de un cono piramidal. Newman también tiene varias litografías, un conjunto de 18 Cantos (1963-64) creados originalmente para evocar una representación visual de la música, así como una serie de otros grabados.
Newman es generalmente considerado como el exponente del expresionismo abstracto, en gran parte debido a su serie en Nueva York en la década de 1950, donde, junto con otros artistas del género, desarrolló y promovió una escuela de pintura abstracta que se apartó de la tradición europea. Pero la diferencia es que no presta tanta atención a los trazos del pincel como Clyfford Still y Mark Rothko, y su personal estilo de bloques de color de gran escala, duros y afilados, puede considerarse como un pionero del post- pintando el abstraccionismo y el minimalismo, y tuvo una profunda influencia en artistas posteriores como Frank Stella (Frank Stella).
El arte de Newman fue subestimado durante su vida, mientras que Jackson Pollock, más colorido e identificable, fue más popular. No recibió suficiente atención hasta después de su muerte, cuando el influyente crítico de arte Clement Greenberg escribió profusamente sobre su arte.
En cualquier caso, su profunda influencia en artistas posteriores es evidente para todos, incluidos Donald Judd, Frank Stella y Pablo, entre otros.
Newman murió de un infarto en Nueva York en 1970 [1]. Nueve años después de su muerte, su viuda, Anna Lee, estableció la "Fundación Barnett Newman" con el propósito de promover la investigación sobre la obra de Barnett Newman[5]. La Fundación Barnett Newman ayudó a organizar el catálogo de la obra de Newman en 2004[6]. Posteriormente, la Artists Rights Society adquirió los derechos de patente de la obra de Newman de la Fundación Barnett Newman[7].

El pintor y teórico Barnett Newman fue uno de los artistas más brillantes de la Escuela de Nueva York. Nació y creció en Nueva York, hijo de inmigrantes judíos polacos. Su acercamiento al arte estuvo influenciado por sus estudios filosóficos y su activismo político en el City College de Nueva York. Postulándose para alcalde en 1933 con una boleta escrita de una plataforma cultural, mantuvo una gran conciencia de los horrores de la actualidad, como el nazismo y la bomba atómica. Para él, el arte es un acto de autocreación, una declaración de libertad política, intelectual y personal.
Un maestro del ingenio, bromeó una vez: "La estética es para el artista lo que la ornitología es para las aves". el pasado Durante diez años enseñó, escribió, estudió y trabajó en la tienda de ropa masculina de su padre. Consideró que la mayor parte de su trabajo inicial no merecía consideración y lo destruyó. No fue hasta 1944 que consideró su trabajo maduro. 1948, con
el Al terminar una pintura llamada "Onement, I, Newman", Newman encontró su voz. Fue en esta obra donde descubrió el tema característico que define todas sus pinturas: conectar los bordes superior e inferior de la pintura. Sus bandas verticales, que él llamó "cremalleras". Sus cremalleras cortando a través de campos de color en composiciones alternas llevaron a los críticos a llamarlo un pintor de campo de color, y a los minimalistas a mirar su trabajo en busca de inspiración. Pero, casualmente, cómo llamarlo, Newman tiene su propia visión de su Afirmando que busca "pintar desde cero, pintar como si la pintura nunca hubiera existido", ve su trabajo como una forma de pensamiento, como una experiencia universal viva y personal Expresión.2 Aunque se centró principalmente en la pintura, Newman también creó escultura
. No fue hasta la década de 1960, la última década de su vida, que su trabajo recibió elogios del público. Su independencia anárquica y su postura intransigente pueden haber llevado a su lenta aceptación, pero estas fuerzas profundamente arraigadas dentro de él también dieron forma a su arte. sobre su obra hacia el final de su vida, declaró: "Uno de sus significados es su reclamo de libertad... si [Leer correctamente] Significará el fin de todo capitalismo de Estado y totalitarismo. 3

1904-1997

Willem de Kooning fue un artista que muchos críticos e historiadores del arte podrían considerar como el pintor expresionista abstracto por excelencia.
Su carrera como artista comenzó en su juventud como comerciante en carpintería y otros campos de trabajo.
Cuando no trabajaba, de Kooning incursionaba cada vez más en la pintura, lo que eventualmente llevó a que algunos de los principales artistas y amantes del arte en la ciudad de Nueva York en ese momento lo notaran.
Algunas de sus obras más conocidas son aquellas que han sido señaladas por historiadores que han estudiado el movimiento extensamente como algunas de las pinturas más reconocidas del propio movimiento expresionista abstracto.
Una de las obras, titulada "Excavación", se completó en 1950 y contiene muchos elementos que representan el estado interior de De Kooning, y los críticos de arte creen que trató de "excavar" y descubrir estos elementos con esta pintura en particular.
Durante su vida, de Kooning pintaría muchas más obras que se consideran obras maestras del movimiento expresionista abstracto.
Uno de los expresionistas abstractos más destacados y conocidos, las pinturas de Willem de Kooning ejemplifican el estilo vibrante y gestual del movimiento. Quizás más que cualquiera de sus contemporáneos, desarrolló un estilo de pintura abstracta radical que incorporó el cubismo, el surrealismo y el expresionismo. Si bien muchos de sus colegas pasaron de la figuración a la abstracción, de Kooning siempre pintó figuras, especialmente mujeres, y la abstracción al mismo tiempo, sin distinguir categorías históricas del arte. Insistió en que el verdadero tema de De Kooning era la relación del espacio y la figura con el suelo.
A lo largo de su larga carrera de décadas, de Kooning ha combinado la abstracción, la figuración y el paisaje de varias maneras, y su constante viaje para encontrar nuevas formas y temas ha hecho que su trabajo en general sea más ecléctico que el de la mayoría de sus colegas. Su compromiso con la cultura popular también fue único e influyó en muchos artistas de la posguerra, desde el neodadaísmo de Robert Rauschenberg hasta el arte pop de James Rosenquist, pasando por pintores jóvenes como Cecily Brown, que explora el erotismo gestual de sus pinturas posteriores.
A diferencia de la mayoría de sus colegas, de Kooning nunca abandonó por completo la representación de la figura humana. Sus pinturas de mujeres presentan una mezcla única de abstracción gestual y figuración. Fuertemente influenciado por el cubismo de Picasso, de Kooning se convirtió en un maestro en difuminar los sujetos y los fondos de sus fotografías, mientras desmembraba, volvía a ensamblar y distorsionaba sus figuras en el proceso.
Aunque de Kooning es conocido por revisar constantemente sus lienzos, a menudo los deja con una sensación dinámica de incompletitud, como si las formas todavía estuvieran en proceso de moverse, asentarse y definirse. En este sentido, sus pinturas encarnan la definición de pintura de acción de Harold Rosenberg: una pintura como un evento, un encuentro entre el artista y el material, en lugar de una obra terminada en el sentido tradicional.
Aunque encarnó la imagen popular del artista varonil y alcohólico, de Kooning pensó detenidamente en su arte y es considerado uno de los artistas más eruditos asociados con la Escuela de Nueva York. Poseedor de una gran habilidad, recibió una formación formal cuando era joven y, aunque admiraba a maestros modernos como Picasso, Matisse y Miró, admiraba por igual a Ingres, Rubens y Rembrandt.

Willem de Kooning nació el 24 de abril de 1904 en Róterdam, Países Bajos. Sus padres Leendert de Kooning y Cornelia Nobel se divorciaron en 1907 y Willem de Kooning vivió primero con su padre y luego con su madre. Dejó la escuela en 1916 para convertirse en aprendiz en una compañía de artistas comerciales. Hasta 1924, asistió a cursos en la Academia de Bellas Artes y Ciencias Aplicadas de Rotterdam.
En 1926, Willem de Kooning fue llevado de contrabando a los Estados Unidos en un carguero británico y desembarcado en Newport News, Virginia, el 15 de agosto. Vivió en Ocean Church College en Hoboken, Nueva Jersey, y comenzó a pintar. En 1927 se mudó a Manhattan
Willem de Kooning comenzó a pintar en su tiempo libre, uniéndose a Woodstock Art Colony en Nueva York en 1928. También se familiarizó con varios artistas modernistas activos en Manhattan, incluido el estadounidense Stuart Davis, el armenio Arshile Gorky, el ruso John D. Ning llamado "Tres mosqueteros".
Willem de Kooning se unió a la Unión de Artistas en 1934 y trabajó en el Proyecto de Arte Federal de la WPA en 1935, donde diseñó varios murales, incluidos algunos para el Proyecto Federal de Williamsburg en Brooklyn. A partir de 1937, Willem de Kooning tuvo que abandonar el Programa Federal de Artes porque no tenía ciudadanía estadounidense. Comenzó como artista profesional, ganando ingresos por comisiones.
Willem de Kooning conoció a su esposa Elaine Fried en la Escuela de Artistas Estadounidenses de Nueva York y se casaron el 9 de diciembre de 1943.

1919-2010

Wu Guanzhong (29 de agosto de 1919-25 de junio de 2010), seudónimo "Tu", nació en Yixing, Jiangsu. Se graduó en la Escuela Nacional de Bellas Artes de París. Es un famoso pintor, educador de arte y profesor chino contemporáneo. ensayista "Orden de Honor" y "Medalla de Oro de la Ciudad de París", [1] Una de las figuras representativas del arte chino moderno del siglo XX. [2][3]

Después de que Wu Guanzhong regresó a China en 1950, enseñó sucesivamente en la Academia Central de Bellas Artes y el Departamento de Arquitectura de la Universidad de Tsinghua, y se desempeñó como profesor en la Academia Central de Artes y Oficios y director ejecutivo de la Asociación de Artistas de China. . Ha publicado antologías como Selected Sketches and Color Paintings of Wu Guanzhong, Selected Chinese Paintings of Wu Guanzhong, A Collection of Searching in the East and Searching in the West, y Selected Essays of Wu Guanzhong. Dedicó toda su vida a la exploración de la nacionalización de la pintura al óleo y la modernización de la pintura china. Su "pintura en tinta de color" original es única. Despertar de un sueño, "El nido", "La belleza inmutable", etc. La pintura de Wu Guanzhong "La Ciudad Vieja de Jiaohe" ha sido reconocida por los círculos académicos como un hito en los logros artísticos de su vida. Fue una vez subastada por un precio altísimo de 40,7 millones de yuanes, estableciendo el récord de transacciones más alto del mundo para vivir. artista chino. El 25 de junio de 2010, Wu Guanzhong murió de una enfermedad en el Hospital de Beijing a la edad de 91 años. [4][3]

Wu Guanzhong, Chu Teh-Chun y Zao Wou-ki son conocidos como los "Tres mosqueteros de Francia". Su esposa es la Sra. Zhu Biqin. [5][6]

1928-2011 (Cy Twombly)

Cy Twombly (Cy Twombly, 1928-2011), un famoso maestro estadounidense del arte abstracto, nació en Virginia, EE. UU., en abril de 1928. Su nombre original era Edwin Parker Twombly. Twombly es considerado uno de los artistas posteriores a la Segunda Guerra Mundial más influyentes.

Cy Twombly fue aclamado por The New York Times como "uno de los más grandes artistas contemporáneos del siglo XX". Twombly ha influido directamente en un gran número de artistas contemporáneos, incluidos Jean-Michel Basquiat y Anselm Kiefer. Su creación es una combinación de pensamiento, narrativa, historia, mitología y formalismo. No solo elevó el expresionismo abstracto a un nivel superior, sino que también cambió la historia del arte hasta cierto punto. [1]
Su trabajo es conocido por su uso mágico del blanco, combinando garabatos y dibujos con grafitis y pinturas al óleo. Combinando técnicas de dibujo y dibujo, sus obras abstractas, que usan líneas, palabras y garabatos repetitivos, a menudo alcanzan millones de dólares en subastas. En 1988, ganó el Royal World Culture Award of Japan, que es el premio de arte más noble y honorable de Japón, en 2001 recibió el Golden Lion Award en la Bienal de Venecia. En 2010, Twombly fue invitado a crear murales para el Louvre, convirtiéndose en 1950 Después de Georges Braque, el primer artista contemporáneo en crear una colección permanente para el Louvre. A fines de la década de 1950, Twombly se mudó al sur de Italia y ha vivido allí desde entonces, haciendo de esta pintoresca tierra su segundo hogar. Según los informes, Twombly quiere que su cuerpo sea enterrado en Italia. Cy Twombly murió de cáncer en Roma el 5 de julio de 2011, a la edad de 83 años.

Twombly nació en Lexington, Virginia, EE. UU. en 1928, pero en ese momento, su nombre era Edwin Parker Twombly, y su padre era un jugador de béisbol de los Medias Blancas de Chicago. El lanzador, porque admiraba a un lanzador legendario llamado Cyclone Young, le dio a su hijo el apodo de "Cy". Más tarde, el maestro del arte que conocemos se llama Cy Twombly. Su primer arte contemporáneo fue en 1940, cuando recibió clases particulares del pintor español Pierre Daura; en 1948 ingresó a la escuela fundada por el Museo de Bellas Artes de Boston, y luego ganó una beca para ir a Nueva York, donde Estudió arte en Nueva York Estudió en la Unión de Estudiantes, donde entró en contacto con el estilo de pintura abstracta, y conoció al famoso pintor Robert Rauschenberg en el futuro. El pintor animó a Twombly a unirse al Black Mountain College en Carolina del Norte, donde estudió con Franz Crane, Robert Motherwell y Ben Shane. En 1952, Twombly fue patrocinado y tuvo la oportunidad de viajar al norte de África, España, Italia y Francia, lo que tuvo un profundo impacto en su vida y obra.

Twombly se mudó con su familia a Italia a fines de la década de 1950. Más tarde, mucha gente creyó que Gagosian abrió una galería en Roma en 2007 hasta cierto punto para complacer a Twombly, que vive en las afueras de Roma. En los últimos años, Gagosian Gallery se ha convertido en un promotor incondicional de las esculturas de Twombly. En 2009, Gagosian exhibió ocho nuevas esculturas de cobre de Twombly en su galería del Upper East Side de Nueva York. El crítico de arte David Sylvester dijo: "Las cualidades estéticas más fundamentales son las mismas: la luz, el poder de la forma. La luz de la luz, las líneas. fluir aquí abajo, pero tensa allá, creando una trepidante calma... Sus esculturas transmiten cómo el placer de la luz está en las cosas, y cómo las cosas están en la luz.

Todos conocemos sus grafitis infantiles, el uso del blanco es el más destacado en sus obras que son tan distintivos que ni siquiera necesita escribir su firma, y ​​en sus trabajos fotográficos es la búsqueda de un juego. de luz. Pero se sabe poco por qué se formó ese estilo. Antes de mudarse a Italia, Twombly trabajó como códec militar durante un tiempo. Para descifrar rápidamente el contenido de los telegramas codificados y enviar señales, entrenó a Skilled en taquigrafía, y estos entrenamientos en descifrar caracteres indudablemente sentó las bases para su futuro estilo garabateado. Los amigos recuerdan su estilo exagerado y su enfoque artístico: después de terminar una pintura, "tengo que quedarme en la cama por un día o dos".

Todos conocemos sus grafitis infantiles, el uso del blanco es el más destacado en sus obras que son tan distintivos que ni siquiera necesita escribir su firma, y ​​en sus trabajos fotográficos es la búsqueda de un juego. de luz. Pero se sabe poco por qué se formó ese estilo. Antes de mudarse a Italia, Twombly trabajó como códec militar durante un tiempo. Para descifrar rápidamente el contenido de los telegramas codificados y enviar señales, entrenó a Skilled en taquigrafía, y estos entrenamientos en descifrar caracteres indudablemente sentó las bases para su futuro estilo garabateado. Los amigos recuerdan su estilo exagerado y su enfoque artístico: después de terminar una pintura, "tengo que quedarme en la cama por un día o dos".

música

El Renacimiento se refiere a un movimiento ideológico y cultural europeo que reflejó las demandas de la burguesía emergente de los siglos XIV al XVI.
El concepto de "Renacimiento" ha sido utilizado por escritores y eruditos humanistas italianos en los siglos XIV-XVI. La gente en ese momento creía que la literatura y el arte florecieron en la era clásica de Grecia y Roma, pero declinaron y desaparecieron en la "Edad Oscura" de la Edad Media, y no lograron el "renacimiento" y el "renacimiento" hasta después del siglo XIV. , por lo que se le llamó el "Renacimiento".
El Renacimiento surgió primero en varias ciudades-estado italianas y luego se expandió a los países de Europa occidental. Alcanzó su punto máximo en el siglo XVI, trajo un período de revolución científica y artística y abrió el preludio de la historia europea moderna. Se considera que ser el límite entre la Edad Media y la época moderna.
El Renacimiento es uno de los tres principales movimientos ideológicos de emancipación (Renacimiento, Reforma e Ilustración) en la Europa occidental moderna.
Después del siglo XI, con la recuperación y el desarrollo de la economía, el surgimiento de las ciudades y la mejora del nivel de vida, la gente cambió gradualmente su actitud pesimista y desesperada hacia la vida real y comenzó a perseguir los placeres de la vida secular.Estas tendencias son en línea con el catolicismo violado. La primera revuelta contra la cultura católica surgió en la Italia del siglo XIV, donde florecieron las economías urbanas. En ese momento, los ciudadanos e intelectuales laicos en Italia, por un lado, odiaban la teocracia del catolicismo y su ascetismo hipócrita, y por otro lado, como no había un sistema cultural maduro para reemplazar la cultura católica, lo expresaron en forma de renacimiento de la antigua cultura griega y romana.reivindicaciones culturales propias. Por lo tanto, el Renacimiento muestra enfáticamente que la nueva cultura aprende de los clásicos, y no es simplemente un renacimiento clásico, sino en realidad un movimiento de nueva cultura antifeudal burgués.

1400s

1445-1521

La obra es una variación basada en la canción "Mille Regretz" (Mille Regretz) del compositor francés Josquin des Pres (1445-1521). La canción era en realidad la canción favorita del rey Carlos V. Narvaís fue un famoso intérprete y compositor de vila español durante el Renacimiento. En esta obra, nos muestra la profundidad de la vira. Los acordes y las melodías de las canciones nunca han estado tan bellamente contrastadas e integradas. , en conjunto, este es un gran ejemplo de el arte de la vera.
Las obras que son más apreciadas como obras similares del mismo período incluyen "Fantasia No. 16" de Milán y tres "Canarios" (los compositores son Gaspar Sanz, Francisco Guerau y Santiago de Murcia).

1600

1642-1727

Isaac Newton (4 de enero de 1643-31 de marzo de 1727), señor, presidente de la Royal Society, un famoso físico y matemático británico, un "todoterreno" enciclopédico, autor de Principios matemáticos de la filosofía natural, Óptica.
En su tratado de 1687 "Leyes de la naturaleza", describió la gravedad y las tres leyes del movimiento. Estas descripciones establecieron la visión científica del mundo físico durante los siguientes tres siglos y se convirtieron en la base de la ingeniería moderna. Al demostrar la consistencia entre las leyes del movimiento planetario de Kepler y su teoría gravitatoria, demostró que los movimientos de los objetos terrestres y los cuerpos celestes siguen las mismas leyes naturales; brindó un sólido apoyo teórico a la teoría heliocéntrica y promovió la revolución científica.
En mecánica, Newton aclaró el principio de conservación del momento y del momento angular, y propuso la ley del movimiento de Newton [1]. En óptica, inventó el telescopio reflector y desarrolló una teoría del color basada en la observación de que un prisma diverge la luz blanca en el espectro visible. También formuló las leyes del enfriamiento y estudió la velocidad del sonido.
En matemáticas, Newton compartió el crédito con Gottfried Wilhelm Leibniz por desarrollar el cálculo. También demostró el teorema del binomio generalizado, propuso el "método de Newton" para acercarse al punto cero de una función y contribuyó al estudio de las series de potencias.
En economía, Newton propuso el sistema del patrón oro.

1685-1750

Johann Sebastian Bach (Johann Sebastian Bach, 21 de marzo de 1685 [15] ~ 28 de julio de 1750), nacido en Eisenach, Turingia, Alemania, fue un compositor y teclista alemán durante el período barroco virtuoso [1-2].
En 1700, fue a Lüneburg para estudiar en el coro de la Escuela Michel [3]. De 1703 a 1707, trabajó sucesivamente en Arnstadt y Mühlhausen. En 1708, fue a Weimar como organista de la iglesia de la corte; durante sus nueve años de empleo, compuso un gran número de piezas para órgano y cantatas, y estudió música francesa para el clavicordio y música italiana para cuerdas[4] . En 1717, fue empleado por Cotten y se desempeñó como músico de la corte y teclista en la residencia del príncipe Leopoldo; durante este período, creó una gran cantidad de obras instrumentales seculares, como conciertos para violín, varias sonatas, suites e inventos. "Concierto de Brandeburgo" y el primer volumen de "Colección para piano bien temperado". En 1723, se trasladó a Leipzig, durante los 27 años que trabajó en la ciudad, se desempeñó como director de coro y director musical de la iglesia de Santo Tomás, durante este período, creó sus importantes obras de música religiosa y secular, entre ellas "The Pasión de Mateo", "Pasión de Juan", "Misa en si menor", así como cantata, motete, villancico, etc. En 1749, su vista disminuyó y quedó ciego de ambos ojos. Bach murió en Leipzig el 28 de julio de 1750, a la edad de 65 años.
Las obras musicales de Bach son ricas en géneros, sus obras vocales son principalmente música religiosa y sus obras instrumentales abarcan varios géneros, incluidos solos, conciertos, conjuntos orquestales, conjuntos y una gran cantidad de obras. Las obras de Inbach han tenido un impacto positivo en el desarrollo de la música europea moderna, por lo que se le llama "el padre de la música occidental" [5] .

1700

1756-1791

Wolfgang Amadeus Mozart (Wolfgang Amadeus Mozart, 27 de enero de 1756 - 5 de diciembre de 1791), nacido en Salzburgo, Austria, fue un compositor austríaco durante el período del clasicismo y músico clásico de Viena, uno de los representantes de la facción [1].
En 1761, compuesta por primera vez. En 1762, bajo la dirección de su padre, Mozart y su hermana comenzaron a actuar en varios países europeos y lograron el éxito. En 1764 creó su primera sinfonía, la Sinfonía n.º 1 en mi bemol mayor. En 1772, a la edad de 16 años, Mozart fue nombrado músico de la corte de Salzburgo, poniendo fin a su larga vida de viaje y juego. En 1781, rompió con la dependencia de su empleador y se convirtió en el primer compositor libre de la historia. En 1782 se estrenó en Viena la ópera "Secuestrados del harén". En 1784 completó seis cuartetos de cuerda dedicados a Joseph Haydn. En 1786 se estrenó en Viena la ópera "Las bodas de Fígaro". En 1787, fue nombrado compositor de la corte. En 1791 se estrenó la ópera "La flauta mágica"; el 5 de diciembre Mozart moría a la edad de 35 años [2-3].
Mozart completó más de 600 (primeras) obras musicales de diferentes géneros y formas en sus cortos 35 años de vida, entre óperas, sinfonías, conciertos, sonatas, cuartetos y otras obras de conjunto y dúo, un gran número de piezas instrumentales, solos, etc. , abarcando casi todos los géneros musicales de la época. Su música encarna el estilo del período del clasicismo, perfeccionó una variedad de géneros musicales y, junto con Haydn, estableció la Escuela Clásica de Viena [4] .

Wolfgang Amadeus Mozart nació en Salzburgo el 27 de enero de 1756. Su padre fue el violinista de la corte Leopold Mozart y su madre Anna Maria. En 1760, su padre comenzó a dar a Mozart la educación musical inicial, que también incluye la educación básica cultural general. En 1761, Mozart compuso por primera vez[2].
El 12 de enero de 1762, él y su padre y su hermana Nannell realizaron por primera vez una actuación itinerante de tres días en Munich[2], tocando en el Palacio del Elector[5]; el 18 de septiembre fueron a Viena con sus padres y hermana para celebrar la música Sí, recibida por la reina María Teresa, y visitó Pressburg para una estancia corta[2] .

1770-1827

Ludwig van Beethoven (Ludwig van Beethoven, 16 o 17 de diciembre de 1770 - 26 de marzo de 1827), nacido en Bonn, Sacro Imperio Romano Germánico-Elector de Colonia, representante de la música clásica de Viena Una de las figuras, compositor en el período de Europa clasicismo.
Beethoven pasó su infancia bajo la dura educación de su padre, lo que creó su carácter obstinado, sensible y apasionante. Desde los 22 años, se ha establecido en Viena toda su vida.La "Tercera Sinfonía", que fue compuesta entre 1803 y 1804, marca la madurez de su creación. En los siguientes 20 años, sus numerosas obras musicales impulsaron la música clásica a la cima a través de un fuerte atractivo artístico y grandeza, y anunciaron la llegada de la música romántica en el siglo XIX. El 26 de marzo de 1827, Beethoven moría en Viena a la edad de 57 años[1].
Beethoven creó una amplia gama de temas a lo largo de su vida, y sus obras importantes incluyen 9 sinfonías, 1 ópera, 32 sonatas para piano, 5 conciertos para piano, muchas oberturas orquestales, sonatas para violín y violonchelo, etc. Debido a su gran contribución a la música clásica y al desarrollo e innovación de la forma sonata y la estructura del divertimento sinfónico, fue honrado como "el sabio de la música" y "el rey de la sinfonía" [2] .

1800

1810-1849

Frederick Francois Chopin (FF Chopin, 1 de marzo de 1810-17 de octubre de 1849), compositor y pianista polaco del siglo XIX.
El 1 de marzo de 1810, Chopin nació en Polonia; comenzó a crear en 1817; actuó en el escenario en 1818; de 1822 a 1829, estudió composición y teoría musical en la Escuela Superior Nacional de Música de Varsovia. Desde 1829, ha realizado giras por Europa como compositor y pianista. Tras el fracaso del levantamiento polaco, se instaló en París y se dedicó a la enseñanza y la creación.
El 17 de octubre de 1849, Chopin muere de tuberculosis en París. [1-2]
Chopin es uno de los compositores para piano más influyentes y populares de la historia, una de las figuras más importantes de la historia de la música polaca y un representante de la música romántica en Europa en el siglo XIX. Sus obras se basan en canciones y danzas populares polacas y, al mismo tiempo, está profundamente influenciado por Bach. La mayoría de sus obras son piezas para piano, y es conocido como el "poeta romántico del piano".

1810-1856

Robert Schumann (8 de junio de 1810 - 29 de julio de 1856), compositor y crítico musical alemán del siglo XIX.
Schumann estudió piano a una edad temprana y comenzó a componer a la edad de siete años. A la edad de 16 años, siguió los deseos de su madre e ingresó a la Universidad de Leipzig para estudiar derecho. A los 19 años volvió a estudiar piano, cuando escuchó la interpretación de Paganini quedó muy afectado, por lo que abandonó la carrera de derecho y se especializó en música. Después de una lesión en un dedo, se dedicó a la composición y la crítica musical. De 1835 a 1844, editó solo la "Revista de Música Nueva" y comenzó a crear una gran cantidad de obras para piano. En 1840, recibió un Doctorado en Filosofía de la Universidad de Jena, y en 1843 fue al Conservatorio de Leipzig para enseñar. De 1844 a 1850 se mudó a Dresde y continuó componiendo y dirigiendo. Debido a su enfermedad mental cada vez más grave, fue rescatado arrojándose a un río en 1854, y murió en un hospital psiquiátrico después del 29 de julio de 1856. [1]
Robert Schumann fue una figura prominente en la historia de la música alemana en la primera mitad del siglo XIX, y su creación artística reflejó profundamente las fortalezas y debilidades del romanticismo alemán.

1900

1906-1975

Dmitry Dmitriyevich Shostakovich (en ruso: Дмитрий Дмитриевич Шостакович, en inglés: Dmitriy Dmitriyevich Shostakovich, 25 de septiembre de 1906 - 9 de agosto de 1975), nacido en San Petersburgo, uno de los compositores más importantes de la Unión Soviética y uno de los compositores más famosos del mundo. s en el siglo 20. De 1919 a 1925, estudió piano y composición en el Conservatorio de Música de Petersburgo; se graduó de piano y composición en 1923 y 1925, y se hizo famoso por la interpretación de la primera sinfonía de su trabajo de graduación; ganó el premio en el Piano Chopin Competencia en 1927; La séptima sinfonía creada en el medio es de renombre mundial; en 1957 y 1962, causó controversia con la "décima sinfonía" y la "decimotercera sinfonía"; se unió al Partido Comunista de la Unión Soviética en 1960; murió en Moscú en 1975.